Pato Donald

Pato Donald, é um personagem de desenho animado criado pela Walt Disney Animations em 1934, e licenciado pela Walt Disney Company. Donald é um pato antropomórfico branco, e normalmente veste uma roupa de marinheiro. Donald é mais conhecido pelo seu temperamento explosivo, e junto com o Mickey Mouse, é um dos personagens mais populares da Disney, e o que mais apareceu em filmes. 

 Donald foi criado por Walt Disney quando ele ouviu Clarence Nash (voz original de Donald) fazendo uma voz de ''pato''. Mickey Mouse tinha perdido um pouco de sua borda desde que se tornou um modelo para crianças. E Disney queria um personagem que podesse retratar alguns dos traços de caráter mais negativos que ele já não podia conceder a Mickey. 

Pato Donald apareceu pela primeira vez em 1934, no desenho animado  ''A Galinha Esperta'', que  fazia parte da série de curtas animados ''Sinfonias Tolas''. 

A data de lançamento do curta metragem, 09 de Junho, é oficialmente reconhecida pela Disney como a data do aniversário do Pato Donald. A aparência de Donald no desenho animado, foi criada por Dick Lundy e a voz é de Clarence Nash.

Clarence Nash                       Dicky Lundy 

Burt Gillett, diretor de A Galinha Esperta, trouxe Donald de volta no desenho do Mickey Mouse, ''Em beneficio dos órfãos'', em 11 de agosto de 1934. Donald é o primeiro de vários personagens que se apresentam no Show dos Orfãos de Mickey. No curta, ele tenta recitar os poemas '' Mary Had a Little Lamb'' e ''Little Boy Blue'', mas cada vez que tenta, é interrompido pelos órfãos travessos, levando o pato até um ataque de raiva. Está personalidade explosiva acabou permanecendo com Donald ao longo das décadas. 

Donald continuou a ser um sucesso com o público. O personagem começou a aparecer regularmente na maioria dos desenhos animados de Mickey Mouse. Como, o cartoon de 1935 ''The Band Concert'', no qual Donald toda hora interrompe a Orquestra de Mickey Mouse, e ''Turkey in the Straw'', que são regularmente considerados pelos críticos, como clássicos da animação.

Em 1936, Donald foi redesenhado para ser um pouco mais cheio, redondo, e mais bonito. Ele também começou a estrelar em cartoons solo, a primeira das quais foi ao ar em  09 de janeiro de 1937 com o nome de Don Donald . Este curta também introduziu um interesse amoroso de Donald, Donna Duck, que evoluiu para Margarida. Os sobrinhos de Donald: Huguinho, Zezinho e Luizinho, fizeram sua primeira aparição animada, em 15 de Abril de 1938, no curta ''Sobrinhos de Donald''.  Em 1938, numa pesquisa feita pela Disney, Donald era mais popular que Mickey Mouse. Depois disso, Donald passou a fazer partir do famoso trio: Mickey, Donald e Pateta. 

Vários curtas do Pato Donald durante a guerra, eram propagandas do exercito, tendo como destaque, ''Face Der Fuher'', lançado em 01 de Janeiro de 1943, que venceu o Oscar de Melhor Curta-Metragem Animado.  Donald também foi mascote de várias forças aéreas americanas na época.

Durante a Segunda Guerra Mundial, os desenhos da Disney não foram autorizados a ser importado para Europa Ocupada pelo seu conteúdo propagandístico. Uma vez que isto custou um monte de dinheiro a Disney, ele decidiu criar um novo público para seus filmes na América do Sul . Walt Disney decidiu fazer uma viagem por vários países latino-americanos com seus animadores, e usar as suas experiências e impressões para criar dois longas-metragens de animação. O primeiro foi Olá Amigos , que consistia em quatro segmentos curtos, duas delas com Pato Donald. Na primeira, ele encontra com seu amigo papagaio Zé Carioca . O segundo filme foi Você já foi a Bahia? a qual ele encontra seu amigo galo Panchitto. 

Muitos dos filmes de Donald feitos após a guerra eram repetitivos e trazia o pato sendo incomodado por algum outro personagem. Donald é repetidamente atacado, perseguidos e ridicularizados pelos seus sobrinhos, e outros personagens. Com efeito, os artistas da Disney investiram no cenário aperfeiçoado por Walter Lantz, em que o personagem principal é o instigador destes comportamentos de assédio, e não a vítima deles. 

O pós-guerra de Donald também estrelou em filmes educativos , tais como ''Donald na Terra MathMagic'' e ''Como ter um acidente de trabalho'' (ambos de 1959), e fez participações especiais em vários projetos da Disney, como O Dragão Relutante (1941) e a espetáculos da DisneyLandia Tv (1959). Para este último show, o tio de Donald, Ludwig von Drake foi criado em 1961.

Clarence Nash fez a voz de Donald pela última vez no Natal do Mickey (1983), fazendo Donald o único personagem no filme a ser dublado por seu ator original. Desde a morte de Nash, em 1985, a voz do Donald foi fornecido por Tony Anselmo. A voz de Anselmo é ouvida pela primeira vez em Uma Cilada para Roger Rabbit. Neste filme, Donald tem uma cena de duelo de piano com o Pato Patolino da Warner Brothers dublado por Mel Blanc, e vence o duelo com um canhão . Muitos fãs chamam isso de confronto entre os 2 patos como um dos maiores duelos da história da animação.

Em meados de 1940, Carl Barks logo assumiu o grande desenvolvimento da versão de histórias em quadrinhos do pato como escritor e ilustrador. Sob a sua caneta, a versão em quadrinhos de Donald divergiram ainda mais do seu homólogo de animação, tornando-se mais aventureiros, menos temperamental, e mais eloquente. 

Pato Donald, além de ser o quinto personagem animado com mais quadrinhos publicados no mundo. Ele foi incluindo na lista da Tv Guide's como um dos 50 maiores personagens animados de todos os tempos. E tem suas ''mãos'' gravadas no Teatro Chines, pelo seu dublador durante 50 anos, Clarence Nash, desde 1984.

Alice no País das Maravilhas

Alice no Pais das Maravilhas, é o 13º Clássico Disney, lançado em 29 de Julho de 1951, pela RKO Radio Pictures. É produzido por Walt Disney, e baseado no livro do mesmo nome, de Lewis Carroll, com direção de Wilfred Jackson, Clyde Geronimi e Hamilton Luske. 

O longa animado conta a história da menina Alice, que cai na toca do coelho e vai parar no peculiar  País das Maravilhas, e conhece seres estranhos como o Chapeleiro Maluco, o Gato Cheshire e a maléfica Rainha das Copas.

A história da associação de Walt Disney com o conto de Carroll, começa bem antes da produção do filme lançado em 1951; E sim em 1923, quando Walt Disney ainda era um cineasta de 21 anos tentando criar sua própria empresa em Kansas City.  Quando ele fez sua primeira série de curtas animados, com sua empresa Laugh-O-Grams, ele não conseguiu recuperar os custos da produção. O jovem produtor lutou para criar curtas metragens na esperança de que um deles fizessem sucesso. A última dessas obras em Kansas City foi Alice's Wonderland, com uma menina em live-action (Virginia Davis) interagindo com personagens de desenhos animados. Embora encantador, o curta não recebeu muita atenção, e assim Walt Disney decidiu abandonar a produção de filmes animados, e deixou Kansas City para se tornar um diretor de cinema de live-action em Hollywood.

  Depois de meses tentando e falhando para encontrar trabalho em live-action, Disney cria junto com seu irmão Roy, a Disney Brothers Studio, e revive o sonho de produzir  filmes animados. 

O distribuidor independente MJ Winkler , descobriu o curta Alice's Wonderland e o acha promissor. Por isso, decidiu distribuir uma série chamada Alice Comedies para os irmãos Disney.                                         Walt entrou em contanto com seus colegas animadores de Kansas City, e os trouxeram para trabalhar em Hollywood na nova série. (um grupo de animadores, que hoje se lê como uma das maiores lendas da animação,que inclue Ub Iwerks, Rudolph Ising, Isadore Freleng e Hugh Harman) 

De 1924 á 1926, a Disney Brothers Studio produziu 50 curtas de Alice Comedies. O sucesso desses curtas mudos estabeleceu Walt Disney como produtor de cinema, e provavelmente o mais significativo até Mickey Mouse, o primeiro grande sucesso da Disney.

Walt Disney tinha uma afeição de longa data para com Alice no País das Maravilhas. Por exemplo, logo que ele começou a discutir a ideia de fazer longas-metragens , ele voltou várias vezes para a possibilidade de fazer uma versão em longa-metragem de Alice, mas por várias razões, essas tentativas nunca foram realizadas. Quando ele lançou sua tentativa de fazer um longa metragem de Alice, em 1933, a Paramount lançou sua própria versão em live-action do conto de Lewis Carroll, com um elenco de estrelas que incluía Cary Grant e direção de Joseph Mankiewicz (A Malvada e co- escritor de Cidadão Kane).

Mesmo assim, Walt não abandonou a ideia de fazer sua versão de Alice. Após o mega sucesso de Branca de Neve e os sete anões, Walt Disney registrou oficialmente o título Alice no País das Maravilhas com a MPAA , em 1938. Depois houve a devastação econômica da Segunda Guerra Mundial , bem como as demandas das produções de Pinóquio (1940), Fantasia (1940) e Bambi (1942) que empurraram "Alice" para o lado. Depois da guerra, em 1945, Walt Disney propôs uma versão live-action/animated de Alice no País das Maravilhas que teria como estrela Ginger Rogers e utilizaria as técnicas vistas no filme da Disney Você já foi a Bahia? (1944). Isso, também caiu completamente, e em 1946, iniciou-se uma versão totalmente animada de Alice no País das Maravilhas que apresentam direção de arte fortemente baseado nas ilustrações famosas de Sir John Tenniel . Esta versão foi planejada, mas acabou por ser rejeitada por Walt, que ainda pensava em uma versão live-action e animada do conto.

No final de 1940, as obras foram retomadas e um filme de Alice todo animado com foco na comédia, música e espetáculo, em oposição à fidelidade rígida para os livros e, finalmente, em 1951, Walt Disney lançou uma versão em longa-metragem de Alice no País das Maravilhas para os cinemas, dezoito anos após a primeira discussão de idéias para o projeto e quase trinta anos depois de Alice's Comedies.                              A versão final de Alice no País das Maravilhas seguiu as tradições dos filmes da Disney; apresentando como em Fantasia e Você já foi a Bahia?, em que Walt Disney destinou os recursos visuais e a música a serem a principal fonte de entretenimento, em oposição a uma narrativa bem construída como a de Branca de Neve ou Cinderela. Em vez de tentar produzir uma animação ''encenada'' dos livros de Carroll, Disney optou por se concentrar em seu capricho e fantasia, usando a prosa de Carroll como um começo, não como um fim em si mesmo.

Outra escolha decidida foi para o visual do filme. Ao invés de reproduzir fielmente as ilustrações famosas de Sir John Tenniel, uma abordagem mais simplificada e menos complicada foi utilizada para o desenho dos personagens principais. A artista Mary Blair  tomou uma modernista abordagem aos fundos de pinturas, no projeto de país das maravilhas, criando um mundo que era reconhecível, e ainda era decididamente "irreal". Na verdade, o uso de negrito de Blair é uma das características mais notáveis ​​da animação.

Finalmente, em um esforço para manter alguns dos versos criativos de Carroll, a Disney encomendou os melhores compositores para compor canções construídas em torno deles para uso no filme.     Alice foi dublada por Kathryn Beaumont e Ed Wynn fez o Chapeleiro Maluco. 

Wynn e Beaumont 

• Recepção 

Todas estas decisões criativas foram recebidas com grande crítica dos fãs de Lewis Carroll, bem como do cinema britânico e críticos literários que acusou a Disney de "americanizar" a grande obra da literatura Inglês.  Walt Disney não ficou surpresa com a recepção crítica para Alice no País das Maravilhas - sua versão de Alice foi destinada para o público familiar de grande porte, não críticos literários - mas apesar de todos os longos anos de pensamento e de esforço, o filme foi recebido com uma resposta morna nas bilheterias e foi uma decepção forte em sua inicial lançamento. Embora não um desastre total, o filme nunca foi re-lançado nos cinemas na vida de Walt Disney; só algumas vezes passou na televisão.  O animador Ward Kimball sentiu que o filme falhou porque "sofria  também de muitos animadores e diretores,  cada um tentando superar o outro cara e fazer a sua sequência maior e mais louca na tela. Isto teve um efeito ruim no produto final ". O próprio Walt Disney sentiu que o filme falhou porque Alice não tinha ''coração''.

Quase duas décadas depois do seu lançamento original, o filme de Walt Disney se viu de repente virando moda com os tempos.  Na verdade, por causa do trabalho de Mary Blair e a associação de longa data de Lewis Carroll com a cultura das drogas que entrou em alta nas décadas seguintes. O filme foi redescoberto junto com Fantasia e Você já foi na Bahia? entre os alunos da faculdade e foi mostrado em várias universidades americanas. A Disney resistiu a está associação, e chegou a retirar o filme de várias universidades; Mas, em 1974, a empresa deu uma chance para Alice no País das Maravilhas, que foi re lançado nos cinemas, e a empresa ainda promoveu o filme com a onda psicodélica da vez. O sucesso do relançamento em 74, foi o suficiente para justificar outro relançamento em 1981.  

Depois de ser visto com outros olhos, e de ser lançado em Home Video, Dvd e Blu-Ray, o filme detém 80% de aceitação dos críticos no site especializado, Rotten Tomatoes, e recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Trilha Sonora Original.

O Futuro da Animação Tradicional

Desde o fracasso de bilheteria de “Nem que a Vaca Tussa”, a Walt Disney Animation Studios tem investido na animação computadorizada, popularmente conhecida como CGI (Imagem em computação gráfica). O que levou muitos admiradores do estúdio a se preocuparem e a se questionarem a respeito da tradicional animação feita à mão.

“Nem que a Vaca Tussa”: responsável pelo “fim” da animação tradicional.

A casa do Mickey Mouse, em 2009, apostou em “A Princesa e o Sapo” para tentar resgatar os desenhos tradicionais. Infelizmente, o filme não superou as expectativas do público e da crítica, mudando os rumos das futuras produções do estúdio. No ano seguinte, “Enrolados” (CGI) chegou às telas dos cinemas e se tornou um fenômeno instantâneo. O novo filme do ursinho guloso, “Winnie the Pooh”, lançado no ano passado, utiliza apenas as ilustrações manuais, uma forma de homenagear – e manter a tradição – os outros longas-metragens estrelados por Pooh e sua trupe. Entretanto, o tributo passou despercebido pelo público, devido à fraca campanha de marketing feita pela empresa.

Agora, em 2012, o estúdio irá lançar “Detona Ralph” – que chega ao Brasil em 2013 – e produz duas novas animações (“Frozen” e “The King of the Elves”) para os próximos anos. Todos empregarão o CGI.

“A Princesa e o Sapo”: tentativa de retorno às origens.

E a animação tradicional, onde fica? A partir da qual um império foi construído, algo que revolucionou o modo de se contar estórias, além de transformar o cinema em si. Segundo Robert Newman, responsável pela conversão para o 3D de “O Rei Leão” e “A Bela e a Fera”, o estúdio continuará a produzir animações feitas a lápis.

“Definitivamente, existe um sentimento entre nós, tanto na Disney quanto na Pixar que, criativamente, queremos continuar com a animação desenhada à mão. É nosso estilo. Você pode ver outros filmes como Tintim, que usam captura de movimento, e se você olhar pra eles vai notar que há um estilo diferente. Onde estamos hoje, em questão de estilo, vamos continuar com a animação manual,” comenta Newman, em entrevista ao UOL, para promover o lançamento de “A Bela e a Fera 3D”.

“Enrolados”: sucesso de público e de crítica.

Newman garante que os fãs não devem temer o uso da terceira dimensão nos filmes animados convencionais. “Tanto em ‘O Rei Leão’ quanto agora, em ‘A Bela e a Fera’, não usei o 3D apenas como uma tecnologia, só para transformar o filme em 3D, mas sim como um recurso que pudesse ajudar a contar a história. Fiz de forma orgânica, de modo que se tornasse parte do filme. Se você ouvir a trilha sonora de um filme verá que a intensidade dela reflete a intensidade emocional da narrativa do filme em diferentes momentos. A mesma coisa serve para o uso da profundidade no 3D. Ela também serve para espelhar o conteúdo emocional do filme.”

“O Rei Leão”: a majestade triunfou nas bilheterias, no ano passado, com sua versão 3D.

John Lasseter, chefe criativo do estúdio, possuiu uma opinião semelhante à de Newman. Lasseter acredita que o modo como a animação é feita não influencia a trama em si. “Dois estúdios fazem live-action, um faz ótimos filmes, o outro, mais ou menos. O que faz filmes mais ou menos não consegue sucesso e passa a acreditar que para conseguir é preciso usar a câmera que o outro estúdio usa,” diz Lasseter. “É assim que pensamos na animação desenhada à mão versus a computadorizada. Nunca na história do cinema um filme foi interessante por causa da tecnologia usada. A questão é como a tecnologia é usada. Isso é especial. Porém, de alguma forma, desenhos feitos à mão viraram sinônimo de história ruim.”

A fala de Lasseter, em uma análise mais crítica, pode ser considerada uma ironia, pois ele é um dos responsáveis pela Pixar Animation Studios, especializada em produções em computação gráfica, e dirigiu “Toy Story”, a primeira animação a ser feita inteiramente a partir de computadores, mudando a forma de se ver (e fazer) as animações. E desde que assumiu o cargo no estúdio – há seis anos – as produções, majoritariamente, passaram a ser feitas do mesmo modo.

“Toy Story 3″: terceira animação a ser indicada ao Oscar de Melhor Filme, segunda indicação da Pixar.

Ou seja, John Lasseter foi pioneiro na nova técnica de animação, e uma das principais razões que levaram o departamento de animação da Disney a investir pesadamente em CGI.

Olhando com atenção, de 2008 a 2011, a Disney lançou quatro filmes, dois na forma tradicional (“A Princesa e o Sapo” e “Winnie the Pooh”) e dois em animação computadorizada (“Bolt” e “Enrolados”). Um equilíbrio entre os dois estilos. Contudo, esse balanço não deve ser levado a diante, visto que, além das três produções anunciadas, outros diretores da casa estão trabalhando em projetos computadorizados. E nenhuma animação à mão está sendo desenvolvida, pelo menos, não que se tenha notícia.

“Winnie the Pooh”: o mais recente animado convencional do estúdio.

O estúdio de Mickey Mouse, outrora conhecido por suas magníficas animações feitas à mão, pode até ter intenção de voltar às suas origens, mas não parece disposto a colocar isso em prática. Enquanto o estúdio não se mostrar disposto a unir bons roteiros à animação tradicional, não poderemos ver o início de uma nova era de ouro. Seus últimos desenhos à mão não conseguiram esse feito, pois “A Princesa e o Sapo” não foi muito bem-avaliado pela público e consideraram “Winnie the Pooh” infantil demais.

Seria a Disney a própria culpada por “manchar” a reputação da animação tradicional? Não sabendo mais conciliar uma boa estória (para todos os públicos) com os desenhos feitos a lápis, como antigamente, levando o público a assimilar animação manual com roteiro fraco. Ou há influência demais da Pixar no estúdio-chefe? Quem sabe não seja culpa do próprio público, que dá preferência aos animados em CGI.

Fonte:DisneyMania

Videos Interessantes sobre a Disney 4

Hoje, trago ótimos videos para os disney-maníacos que estão ai a soltas na teia do youtube:

Uma das trilhas sonoras Disney mais queridas pelos fãs é a de O Rei Leão. E no vídeo acima, mostra as gravações da trilha sonora do filme, além de comentários de Hans Zimmer e Elton John.

Este curta metragem conta a história da menstruação. Um desenho educacional feito por Walt Disney e sua equipe, em meados de 1946. Nostálgico e interessante, pena que estar em inglês.

Este é bem legal, e mostra as aberturas da Walt Disney Home Video ao longo das décadas. Se você tinha fita cassete e DVD dos clássicos Disney, provavelmente já viu algumas dessas aberturas ai. 

Para finalizar, este mágico vídeo que mostra o show de fogos na Disney World em 2011, ao som de coro de vozes cantando canções clássicas do estúdio. Muito lindo!!

Princesas Disney - Inspiração para Vestidos de Noivas

Que menina, durante a sua infância, nunca sonhou em ser uma princesa? E um dos momentos dos quais uma mulher pode se sentir uma é no dia do seu casamento.

Desde 2007, a Disney se comprometeu a realizar mais sonhos criando uma linha de vestidos de noiva assinado pelo estilista Alfred Angelo denominada Disney Fair Tale Wedding. E claro, os vestidos são inspirados nas famosas princesas Disney, com vários modelos para todos os gostos de princesa.

O preço de alguns modelos equivalem entre R$ 1,5 mil e R$ 3,1 mil aproximadamente (em reais) e são vendidos em lojas especializadas dos Estados Unidos e Europa. O bacana é que existem vestidos para quem veste plus size.

As princesas inspiradas nas criações são: Cinderela, Ariel, Bela, Jasmine, Rapunzel, Bela Adormecida, Branca de Neve e Tiana.

Os vestidos refletem a história e a personalidade de cada uma:

Cinderela traz uma saia volumosa, toda decorada com brilhantes que remetem ao seu sapatinho de cristal.

Jasmine traz um estilo mais discreto e exótico, assim como a personagem.

Bela tem o charme e o volume do vestido amarelo que a princesa usa no filme.

Branca de Neve vem cheia de bordados e flores para mostrar sua intimidade com a natureza.

Ariel, como não podia deixar de ser, tem sua cauda em formato sereia para celebrar a beleza do mar.

O modelo de Rapunzel é inspirador ao comparar com seus longos cabelos.

Tiana cheia de atitude, beleza e moderno como ela.

Aproveite e assista, abaixo, ao desfile de apresentação dos diferentes modelos, e confira mais detalhes de cada um dos vestidos.

Lembrando que eles também possuem modelos de vestidinhos para daminhas de honra e jóias. Inspire-se!

''A Bela e a Fera'', clássico da Disney, volta em 3D

Em 1991, a história mágica da moça do interior que se apaixona por um príncipe transformado em fera dos estúdios Disney surpreendeu o mercado cinematográfico e tornou-se o primeiro longa de animação a faturar US$ 100 milhões em seu lançamento inicial. Mais do que encantar o público com a história que excede o universo infantil e encanta adultos com os objetos domésticos animados e cheios de personalidade, "A Bela e a Fera" inovou e abriu o caminho para o segmento 3D. O desenho mantinha a tradicional marca da Disney, de quadros desenhados, um a um, à mão, mas aliavam, à qualidade minuciosa, o uso de computadores para dar o efeito ilusório de terceira dimensão.

Hoje, duas décadas depois, a Disney retoma seu desenho e o leva novamente ao cinema, a partir de hoje, agora em sessões 3D. Novas ferramentas de computador foram criadas pela equipe de técnicos exclusivamente para atribuir profundidade ao desenho. Com o novo software, os criadores conseguiram 'inflar' a dimensão dos personagens e dar a eles mais geometria. Então, os quadros estáticos ganharam volume e profundidade, sendo cada figura retrabalhada.

O resultado, no entanto, é sutil. Uma das cenas mais impressionantes continua sendo a clássica dança da Bela e da Fera, no salão do castelo (sim, a do vestido amarelo), que se tornou icônica por, justamente, deixar entrever, no movimento daquela dança do casal, o que seria o início do 3D.

E a história, claro, não sofreu nenhuma alteração. Aos pequenos, que não tiveram a chance de aproveitar a história de Bela numa tela grande, a experiência é compensadora. O desenho só comprova a atualidade da temática de Walt Disney e sua contemporaneidade, que segue válida. Uma garota de origem humilde, que se refugia das agruras da vida - e de pretendentes arrogantes - no universo da leitura é, no mínimo, um bom exemplo. Sua aventura rumo à estrada escura e cheia de lobos até o castelo da Fera permanece estimulante. E os personagens do castelo encantado, o candelabro com sotaque francês, o relógio aprumadinho, a mãe-bule e seu garoto-xícara, seguem igualmente adoráveis, como nos anos 90. As informações são do Jornal da Tarde.

FOLHA.COM

Paul J. Smith - Disney Legend

Paul Smith foi um compositor de cinema, que passou boa parte de sua vida trabalhando na Disney. Ele fez a trilha sonora do primeiro clássico do estúdio, Branca de Neve e o sete anões, assim como a de Pinóquio, e longa-metragens como 20.000 Léguas Submarinas, Soltando os Cachorros e Operação Cupido.

 Nascido em uma família musical em Calumet, Michigan, em 30 de Outubro de 1906, Paul foi criado em Idaho, onde seu pai ensinou musica na Faculdade de Idaho. O pai de Paul, Joseph, começou a ensinar o filho prodígio a tocar piano aos quatros anos de idade, e seguiu ensinando o filho a tocar uma variedade de instrumentos musicais, incluindo o violino ao sete, e trompete e viola aos 12 anos. 

Em 1925, Paul ingressou no Conservatório de Música de Bush em Chicago, onde recebeu a Bolsa Juilliard em teoria. Após a formatura, ele passou a ensinar instrumentos de sopro em Elmhurst College e em York High School por dois anos. Em 1932, ele se mudou para Los Angeles para participar da UCLA, onde se formou em Inglês e escreveu quatro comédias musicais.

                                         

O trabalho de Paul Smith, junto com Leigh Harline e Frank Churchill para Branca de Neve:

Quando o compositor chegou a Walt Disney Studios, em 1934, ele era ''recém-saído da faculdade e cheio de ideias musicais'', segundo os animadores, Frank Thomas e Ollie Johnston. 

Junto a Disney, Paul J. Smith foi um pioneiro musical. Versátil, prolífico e, como Walt, sempre se inclinou a descobertas, Paul prontamente empurrou o envelope na composição musical, e como resultado, ganhou um total de oito indicações ao Oscar por filmes clássicos como "Branca de Neve e os Sete Anões", "Cinderela "," A Canção do Sul "," Olá Amigos "e" Você já foi a Bahia?". Ele venceu junto com Leigh Harline e Frank Churchill por Pinóquio, segunda parceria do trio, depois de Branca de Neve.

     Pontuação de Paul Smith para Cinderela:

Durante os anos 1950, além de escrever a música para vários longa dos estúdios, como os citados no início da postagem, Paul Smith compôs notas sinfônicas para a maioria de todos os aclamados documentários True-Life Adventure, incluindo "Beaver Valley," "Nature's Half Acre," "The Olympic Elk," "The Living Desert," "The Vanishing Prairie," "The African Lion," "Secrets of Life" and "Perri."  Ele também gravou um álbum chamado "True-Life Adventures", que era uma compilação de suas partituras.

Paul J. Smith, faleceu em Glendale, na California aos 78 anos. Em 1994, postumamente, foi eleito um Disney Legend. 

Operação Cupido (1961)

 É um filme de 1961 feito por Walt Disney. Estrelado por Hayley Mills, Maureen O'Hara e Brian Keith, em uma história sobre irmãs gêmeas adolescentes que tentam unir seus pais divorciados. O roteiro e a direção são de David Swift, baseado no livro ''Lottie e Lisa'' de Erich Kastner. Operação Cupido foi indicado a dois Oscar, teve três sequencias para a televisão, e foi refeito em 1998, com Lindsay Lohan no papel das gêmeas. O filme original foi o segundo, de uma lista de seis filmes que Hayley Mills fez para a Disney.

O roteiro originalmente exigia apenas alguns truques de fotografias de Hayley Mills em cenas que interpretava os dois papeis (Susan Evers e Sharon McKendrick), a maior parte do filme era para ser filmado usando uma dublê de corpo.  Quando Walt Disney viu que os truques de fotografias estavam perfeitos, ordenou que o roteiro fosse reconfigurado e adicionassem mais efeitos especiais.  Walt também queria que Mills fosse bastante filmada, já que ela estava tendo surtos de crescimentos ao longo das filmagens. 

Richard e Robert Sherman, escreveram as três musicas que aparecem no filme: ''The Parent Trap'', ''For Now, For Always'' e ''Let's Get Together'', enquanto a trilha sonora foi feita pelo já conhecido da casa, Paul Smith. Operação Cupido recebeu duas indicações ao Oscar de Melhor Edição e Melhor Som. 

Hayley Mills trouxe a Operação Cupido a vida, e depois foi ofuscada por Lindsay Lohan no remake de 1998. É claro, que o remake tem a mesma fórmula do original, com o toque moderno, e Lindsay Lohan brilha no seu papel de estreias nos cinemas, apresentando está antiga história as novas gerações como eu.       Mas ninguém é Hayley Mills. Mills era uma garota prodígio em Hollywood. Tinha ganhado um premio especial, que hoje está extinto da Academia: o Oscar Juvenil, pela sua performance em Polyanna, o seu primeiro filme em parceira com a Disney. Os próximos projetos em parceria com a Disney, incluindo Operação Cupido, a tornou uma estrela infantil em ascensão. A sua interpretação das gêmeas em Operação Cupido, lhe rendeu uma indicação ao Globo de Ouro.

E as técnica de duplicação usadas com Hayley Mills, foram inovadoras e mudaram o rumo dos efeitos especiais. O mesmo fato aconteceu em A Canção do Sul, onde a Disney apresentou técnica que mistura personagens reais com personagens animados, em 20.000 Léguas Submarinas, e em 1965 traria outra evolução nos efeitos especias com Mary Poppins. Pois é, quando ninguém sabe o que fazer, cabe a Disney trazer a magia para os cinemas!!